Archive for Juni 2016

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„Wir sollten aufpassen, dass Deutschland Deutsch bliebt.“ Aber was ist das eigentlich, Deutsch sein? Was ist Heimat? Ist es eine Idee, ein Verhalten, eine Äußerlichkeit? Einfach eine Zuschreibung? Und warum sind so viele Menschen gerade so hasserfüllt? Wovor haben sie Angst?

Angst ist, wie man am Titel leicht erraten kann, das zentrale Thema in Falk Richters Inszenierung „FEAR“. Solch fremdenfeindliche Aussagen wie das anfangs erwähnte Zitat ziehen sich als Audioelemente immer wieder durch das Stück. Es wird deutlich, dass vor allem eine große Angst besteht: die Angst vor dem Identitätsverlust. Wenn sich vielleicht alles ändert, was bleibt dann noch, woran sich die Menschen festhalten können? Woran sie sich klammern können, woran sie sich als „Deutsche“ definieren können? Dass diese, ja schon fast Existenzängste schnell in Hass und Wut umschlagen, wird durch die Leitfiguren rassistischer Propaganda sichtbar: Beatrix von Storch, Gabriele Kuby oder Beate Zschäpe. Die Darsteller*innen in Richters Inszenierung tauschen Positionen und Rollen, sind also einerseits als Darsteller*innen mit ihrem eigenen Namen auf der Bühne, andererseits als Reden schwingende Volksverhetzende auf der Bühne zu sehen. Permanent wird dabei aber reflektiert und hinterfragt, woher dieser ganze Fremdenhass kommt. Zudem wird mit der Bezeichnung „Zombie“ für ebendiese Verbreiter*innen von rassistischem Gedankengut verwendet, denn man sollte doch eigentlich denken, dass solche Gedanken nach 1945 ausgestorben wären. Dass dies nicht der Fall ist, zeigen PEGIDA-Märsche, AfD-Wahlergebnisse und NSU-Attentate.

Die Frau kümmert sich gefälligst um Kinder und Küche!

Auf der Bühne wird dies durch Requisiten repräsentiert: Schattengestalten werden mit Bildern von Zschäpe, Kuby und Co. beklebt, der Pappkörper wird übersät mit AfD-Wahlplakaten und Fotos von Bannern, die „besorgte Bürger“ bei PEGIDA-Demos hoch halten. Zusammen mit einigen NDP-Plakaten werden die Anliegen schnell deutlich: Förderung von „intakten Familien“, die nur aus Mann und Frau und Kindern besteht und in der sich die Frau gefälligst um Kinder und Küche kümmert. Abschiebung von allen Ausländern. Ach, so, nee, natürlich nur Araber*innen. Und Osteropäer*innen. Halt alle, die uns, dem Wohlstandsdeutschland auf der Tasche liegen und/oder muslimischem Glauben angehören könnten und somit Terrorist*innen gleichzusetzen sind. Und natürlich wird bei der AfD auch nicht gegendert, mein Fehler. Der „Gender-Wahnsinn“ muss schließlich gestoppt werden.

Einer der vielen Gänsehautmomente im Stück ist die Szene, in der die Schauspielerin Lise Risom Olsen über Europa in der Ich-Form spricht. „I do whatever it takes to maintain my wealth“, sagt sie und bringt es genau auf den Punkt: Warum sollten wir in Europa unsere Standards herunterschrauben, nur weil es anderen Menschen schlecht geht? Ist doch nicht unser Problem, wir haben doch mit denen nix zu tun. Nur dass wir halt doch alle etwas gemeinsam haben: Wir sind Menschen. „I'm confused, I don't know what to do“, sagt Europa.

Trotz dass in der Inszenierung kurzzeitig auch andere Aspekte der Angst angesprochen werden, wie zum Beispiel Phobien oder Beziehungsängste, liegt der Hauptfokus auf der Flüchtlingsthematik. Aus diesem Grunde wirken eben die anderen Aspekte wie reingeworfen, um dem Ganzen noch eine minimal andere Richtung zu verleihen. Andererseits wird so vielleicht auch der Weitblick geöffnet und Diskurse können sich öffnen.

Zeitgenössischer Tanz als Mittel zur Darstellung

Auf ästhetischer Ebene ist das Stück ein Fest. Neben Text- und Audioelementen hat auch die Choreografie einen hohen Stellenwert im Text, die sehr Falk-Richter-typisch ist. Das meint, dass zeitgenössischer Tanz als Mittel zur Darstellung gewählt wurde, der nicht nur technisch perfekt von den Tänzer*innen ausgeführt wurde, sondern auch immer zugänglich für das Publikum ist. Tanz ist immer ein spezieller Fall, denn er ist eine Art eigene Sprache, die eben gerade deshalb für jede*n deutbar und empfangbar sein und genau das gelingt hier absolut!

Ich muss zugeben, dass ich bei Stücken, die länger als eine Stunde gehen (FEAR ging 120 Minuten) immer mal auf die Uhr schaue, denn hin und wieder ziehen sich Szenen oder die Sitze werden unbequem oder oder oder. Bei FEAR jedoch war ich jede einzelne Minute so gefangen, dass ich den Blick und meine Aufmerksamkeit gar nicht von der Bühne abwenden konnte. Denn nicht nur das imposante und wandelbare Bühnenbild, nicht nur die schauspielerischen Leistungen oder die fesselnde Dramaturgie haben mich in den Bann gezogen, sondern auch meine eigenen Gedanken und Gefühle, die während des Stückes in mir wild durcheinander flogen, machten diesen Abend zu etwas ganz besonderem. Denn wie in dieser Kritik sicherlich ersichtlich ist, ist es unmöglich, dass Stück einfach nur passiv aufzunehmen und sich berieseln zu lassen.

Aktive Positionierung im Theaterraum

Ob man will oder nicht, während des Stückes muss man sich permanent positionieren und seine eigenen Meinungen und Gedanken hinterfragen. Und das ist auch gut so. Denn wenn die hassverbreitenden Zombies ihre eigene fremdenfeindliche und menschenverachtende Propaganda nicht hinterfragen, dann muss es ja andere Menschen geben, die das tun. Und sich dann vielleicht nicht mehr nur im Theaterraum aktiv dazu positionieren.

Text: Jessica Müller

Was genau ist eigentlich der Balkankrieg? Ich persönlich hatte so gut wie überhaupt keine Ahnung, worum es dabei ging, wer wen bekämpft hat und wieso. Nach dem Stück “Common Ground” von Yael Ronen im Maxim-Gorki-Theater Berlin wusste ich aber eines mit Gewissheit: Es ist verdammt kompliziert.

unfassbar schwarzer Humor und Sarkasmus

In dem Stück wird nämlich genau dieser Krieg thematisiert und mithilfe der sechs Schauspieler*innen Vernesa Berbo, Dejan Bućin, Tim Porath, Mateja Meded, Orit Nahmias, Aleksandar Radenković und Jasmina Musić werden autobiografische und politische Inhalte zusammengeführt. Was nach einem sehr schweren Thema klingt, ist zwar auch ein schweres Thema, wird jedoch durch unfassbar schwarzen Humor und Sarkasmus immer wieder in luftige Höhen gerissen.

Das Stück beginnt recht unvermittelt, als die Isrealin Orit Nahmias sich vorstellt und locker ein bisschen zum Publikum redet, bis Tim Porath die Bühne betrifft und die englischsprechende Orit in ihrem Redefluss stoppt. Er weist sie darauf hin, dass es sich beim Gorki um ein postmigrantisches Theater handelt und deshalb das deutschsprachige Publikum das Recht auf eine deutschsprachige Inszenierung habe. Postwedend gibt Orit Tim die Aufgabe des Übersetzens. Diese Aufgabe nutzt Tim jedoch, um sein eigenes Anliegen weiter fortzuführen und schließlich anzumerken dass Menschen ihre Probleme gerne auf andere Menschen projizierten und ihnen ihre eigene Interpretation aufdrückten. Welch ein wunderschön sarkasitsches Paradox zu Beginn!

Freude, Trauer, Leichtigkeit und Betroffenheit

Es folgten vermischte Episoden aus den jeweiligen Leben der Schauspieler*innen und zeitgeschichtlichen Geschehnissen in den frühen 90er Jahren, sei es der Völkermord in Ruanda, Steffi Grafs Wimbledon Sieg oder Bryan Adams neuester Song “(Everything I Do) I Do it for You”. Auf autobiografischer Ebene erzählen die Darsteller*innen von ihrer Kindheit im ehemaligen Jugoslawien, ihrer Flucht nach Deutschland oder dem ersten eigenen abgefeuerten Schuss mit einer Waffe. Währenddessen steht immer jeweils eine*r der Darsteller*innen im Fokus und die anderen fungieren als Statisten um die Szenen nachzustellen. Beim Zuschauen wechseln sich Freude und Trauer, Leichtigkeit und Betroffenheit stetig ab, die Szenen werden immer kürzer, schneller und lauter, bis sie sich mit der Erwähnung des Friedensvertrages, der dem Bosnienkrieg ein Ende setzt, in Stille und Schatten auflöst.

Nun geht es auf eine gemeinsame Reise nach Bosnien, die die Darsteller*innen an ihre Heimatorte und alte Kriegsschauplätze führt. Es ist eine Reise mit drei Ebenen: eine politische Ebene, in der irgendwie versucht wird, zu verstehen, was in dem Krieg passiert ist und warum. Eine persönliche Ebene, in der Identitäten hinterfragt und reflektiert werden. Und schließlich eine kollektive Ebene, in der die Mitglieder der Reise versuchen, trotz der verschiedenen Hintergründe zueinander zu finden und so einen gemeinsamen Boden, einen Common Ground, zu finden.

Absolut mitreißend

So entsteht zwischen Jasmina und Mateja eine tiefe Freundschaft, obwohl einer der Väter Opfer im Konzentrationslager und der andere Kriegsverbrecher war. Trotz der Unterschiede besteht doch eine Verbindung zwischen den beiden, denn beide wurden im Krieg vaterlos. Eine Verbindung entsteht auch zwischen Aleksandar und der von Vernesa dargestellten Bakira Hasečić, der Gründerin der “Association of Women Victims of War”. Diese Organisation (hier kommt wieder die Realität ins Spiel) setzt sich für die tausenden von Frauen ein, die während des Balkankrieges vergewaltigt worden sind. Aleksandar, der das Gefühl hat, als Serbe irgendwie dafür verantwortlich gemacht zu werden, kann Bakira am Ende nur eins sagen. Dass es ihm leid tut.

Zwar könnte ich noch Unmengen mehr über dieses tiefgründige, scharfsinnge, humorvolle und berührende Stück sagen, aber das würde den Rahmen hier sprengen. Es bleibt einfach festzuhalten, dass dieses Spiel von Nähe und Distanz in der Inszenierung auf politischer, persönlicher und kollektiver Ebene absolut mitreißend ist und die Geschichten so authentisch wie ergreifend sind. Jedoch nie mit Pathos und immer mit einer Prise Humor. Wie das wirklich zusammen passt, weiß ich selbst nicht, Fakt ist, dass es das in dieser Produktion aber tut. Und Fakt ist auch, dass ich noch nie so von einem Thema berührt wurde, von dem ich vor dem Theaterbesuch noch überhaupt keine Ahnung hatte. Grandios!

Text: Jessica Müller

Foto: Gorki-Theater

Trotz der am Dienstagnachmittag moderierten Diskussion zum Thema “Rassismus und Theater” in den Berliner Festspielen stattgefunden hatte, hing während der Vorstellung von “prima klima” von rohestheater, der Theatergruppe der Mies-van-der-Rohe Schule in Aachen, dennoch eine gewisse Anspannung im Raum. Aufgrund der rassistischen Darstellungen im Trailer für die akademie der autodidakten bei der Eröffnung, spürte man ein leichtes Misstrauen im Publikum, dass sich bei sehr stereotypischen Darstellungen in Szenen und vor allem bei dem Chorruf von “Wer hat Angst vor'm fremden Mann?” nur verstärkte.

Doch worum geht es eigentlich mi Stück? Der Titel deutet es schon an: es geht um den Klimawandel. Die Theatergruppe erörtert die Fragen, was der Klimawandel überhaupt, welche Auswirkungen er hat, bzw. haben könnte, wer daran Schuld sei und was nicht nur Menschen in Führungspositionen, sondern auch der einzelne Mensch dagegen tun kann. Dramaturgisch führt die immer wieder stückeweise vorgetragene Geschichte des Fischers und seiner Frau durch die Inszenierung, in der die Frau nie zufrieden ist, mit dem, was sie hat und deshalb ihren Mann fortwährend darum bittet, den von ihm freigelassenen Fisch um die Erfüllung ihrer Wünsche zu bitten. Nichts genügt ihr, kein Haus, kein Schloss, kein Königsein, Kaisersein oder Papstsein, bis sie letztendlich Gott höchstpersönlich sein will.

Diese Geschichte des immer-mehr-wollens wird in einer Szene mit dem Rammsteinlied “Mehr” und einer kampfähnlichen Choreografie, die sich auch immer wieder durchs Stück zieht, untermauert. Die Schauspieler*innen brüllen den Text mit und führen die Choreografie fort, bis es schließlich in einer Mischung aus Pogen und gegenseitigem Prügeln um die Wasserschläuche, die auf dem Bühnenbild drapiert sind, übergeht.

Das Bühnenbild an sich ist statisch, wird aber immer wieder als Leinwand für Film- und Bildprojektionen verwendet. So dient es in einer Szene zum Beispiel als Projektionsfläche für eine entstehende Grafik, die die Zusammenhänge zwischen anthropologischen Faktoren, wie Industrie, und dem Klimawandel aufzeigen soll.

Hier setzt jedoch schon mein Kritikpunkt an: viele der Szenen und Darstellungen sind sehr plakativ. Ich gehe schließlich nicht ins Theater, um ins Gesicht gesagt zu bekommen, dass Massentierhaltung der Umwelt schadet. Das weiß ich entweder dank gesundem Menschenverstand oder ich google es. Ich gehe ins Theater, um eine künstlerische Auseinandersetzung mit dem Thema zu sehen und ein Dialog auf der Bühne, in denen diskutiert wird, wer denn jetzt am Klimawandel Schuld ist, ist ohne den Einsatz künstlerischer Mittel immer noch ein Dialog auf der Bühne. Und dass die Gruppe von rohestheater weiß, wie künstlerische Mittel eingesetzt werden, zeigt sich immer wieder im Stück; sei es durch Choreografie, Gesang oder die kurzweilige Herausbildung von Rollen.

Mitunter ist das Stück nicht nur plakativ, sondern stellt auch Stereotype deutlich heraus. Zwar ist die Einbindung von Stereotype per se ja nichts Schlechtes, aber wenn es sich durch die gesamte Inszenierung zieht, wirkt die Produktion schnell schwarz-weiß und weniger reflektiert und facettenreich. Das beste Beispiel ist hierfür eine Szene, in der eine der Schuaspieler*innen einem anderen erklärt, eine Gesellschaft sei für sie ein Dominosystem und jedes kleine bisschen Gute, was ein einzelner Mensch tut, kann Großes bewirken. Ihr Gesprächspartner vertritt hier die extreme Gegenposition und meint, wenn er selbst etwas an seinem Umweltverhalten ändere, nütze das gar nichts und die großen, umweltverschmutzenden Länder sollten doch lieber was gegen den Klimawandel tun. Zwei Gegenpositionen herauszustellen ist ja legitim, aber nicht, wenn sich diese Positionen als die einzigen beiden mi kompletten Stück herausstellen. Entweder bist du gut und tust selbst was gegen die Umweltverschmutzung oder du bist schlecht und schiebst die Schuld auf andere. Durch die überemotionale Darstellung der Schauspielerin in der eben beschriebenen Szene wird diese fast schon Anklage noch deutlicher.

Das Stück “prima klima” ist durchaus sehenswert, aber dennoch fehlte in wichtigen Szenen die Reflexion und kritische Betrachtung der eigenen Darstellung. Was ja im Prinzip genau das Problem war, das die Aachener Gruppe bei der Eröffnung hatte. Beim Hinausgehen aus dem Saal fasste eine Zuschauerin meine Gedanken dazu perfekt in Worte: “Ich fands gut. Aber es ist halt vorbelastet.”

Text: Jessica Müller

Die Premiere von „Die lächerliche Finsternis“ unter der Regie von Marcus Lobbes erntete langen Beifall und arbeitete mit gängigen Klischees und Stigmata. Das Ensemble des Deutschen Theaters in Göttingen präsentierte eine verzerrte Wirklichkeit, die schockierend realitätsnah wirken konnte.

Nach einem Hörspieltext von Wolfram Lotz inszenierten die Schauspieler eine verdrehte Welt. Die Handlung in einen Rahmen drücken zu wollen, fällt schwer. Einerseits handelt es vom süffisant lächelnden Somalier Ultimo Michael Pussi (Frederik Schmid), der der Piraterie angeklagt ist. Auf der anderen Seite befinden sich Figuren wie Hauptfeldwebel Oliver Pellner ( Benedikt Kauff) mit Unteroffizier Stefan Dorsch (Gabriel von Berlepsch), die von ihrer Reise auf dem Hindukusch erzählen sowie Blauhelm Lodetti (Patrick Gees), der stolz vom Blauhelmlager berichtet, dass nur wegen einer Coltan-Quelle dort erbaut wurde. Die einzelnen Rollen sind in eine Podiumsdiskussion eingebunden und erzählen ihre verschiedene Geschichten. Die Moderation übernahm Maria Seiser, die auch in die Rolle des Autors Lotz schlüpfte.

Dabei verlieren sich die verschiedenen Charaktere in belanglosen Details ihrer Geschichte und kommen nicht richtig auf den Punkt. Es mutet einer Verschleierung von Tatsachen an, wenn Pussi über Hoffnung und einen sternenklaren Himmel in Mogadischu erzählt, obwohl er sich eigentlich des Überfalls auf ein Schiff rechtfertigen soll. Das Stück lebt von der Improvisation. Die Schauspieler bewegen sich auf feinem Grat zwischen Realität und Fantasiewelt. Spätestens, wenn sich die Schauspieler mit richtigem Namen ansprechen und im nächsten Satz wieder mit dem Namen ihrer Rolle, ist die Geschichte komplett verschwommen.

Noch irrsinniger wird es, wenn Patrick Gees in seiner Rolle als Bojan Stojkovic behauptet, dass der Erwerb einer Markise zum Tod seiner Familie geführt habe und nicht die Präszisionsbombe, die neben seinem Haus eingeschlagen sei. „Es ist eine Präszisionbombe, die sollte unser Haus nicht treffen. Die Markise hat Feuer gefangen. Ohne Markise wäre das nicht passiert“, so Stejkovic. Verdrehte Tatsachen und perfider bis makaberer Humor des Hauptfeldwebels Pellner machen den Abend amüsant, aber gleichzeitig muss sich der Frage gestellt werden: Wie viel ist dran an der Verschleierung? Es wirkt wie eine moderne Medienkritik und die Podiumsdiskussion könnte auch einer Politshow entstammen. Am Ende der Diskussion ist nichts geklärt, es bilden sich mehr Fragen als vorher, aber irgendwie schaffen es die Schauspieler Denkanstöße über unseren Zeitgeist zu geben.

Text: Vincent Lubbe
Foto: Frank Stefan Kimmel

Der Turmbau zu Babel ist eine allgemein bekannte Geschichte der Bibel. Eine Gruppe von Menschen, die “einerlei Zunge und Sprache” haben, wollen einen Turm errichten, der bis in den Himmel reicht, um sich so “einen Namen zu machen” und so der Angst in “alle Welt zerstreut” zu werden, entgegenzuwirken. Es geht also um eine vereinte Gruppe, die an dieser Vereinigung festhalten will, um sich nicht zu verlieren.

Das Junge Schauspiel Frankfurt erarbeitete ein Stück über den Turmbau zu Babel einmal komplett andersherum: junge Geflüchtete, deutschstämmige Jugendliche und junge Menschen mit Migrationshintergrund, die zusammen über 20 Sprachen sprechen, wollen sich begegnen, verständigen und ein gemeinsames Projekt realisieren - “Frankfurt Babel”.

Reflexionspassagen und musikalische Elemente

Diese Hintergründe zur Stückentstehung sind nicht nur dem Programm des Theatertreffens der Jugend zu entnehmen, sondern werden am Anfang des Stückes auch von einer der Darsteller*innen erläutert. Hier wird bereits deutlich, dass eine Meta-Ebene im Stück vorhanden ist, in der über das Projekt selbst reflektiert wird. Diese Reflexionspassagen sind Elemente, die sich durch das komplette Stück ziehen, immer mal wieder wird erzählt, wie das Projekt entstand, wie es sich entwickelt hat und was damit erreicht werden soll.

Ebenso wiederkehrend sind die musikalischen Szenen, in denen verschiedene Instrumente, darunter Zieharmonika, Schlagzeug, Pauke und Geige, zusammen gespielt werden, jedoch in verschiedener Lautstärke, verschiedenem Tempo und verschiedenen Tönen, sodass eher eine disharmonische Klangatmosphäre entsteht.

Das Publikum applaudierte

Ein weiteres Element, dass immer wieder auftritt sind die Zitate aus der biblischen Babel-Geschichte. Hier stehen alle Darsteller*innen vor dem Publikum, gestikulieren und sprechen mit leiser Stimme, während immer eine/r von ihnen den Rest übertönt und das Zitat auf einer bestimmten Sprache laut vorträgt. Anschließend denkt der/diejenige wieder seine/ihre Stimme, reiht sich in das Klangbild der übrigen Darsteller*innen mit ein und der oder die nächste erhebt die Stimme auf einer bestimmten Sprache. Somit entsteht also, trotz der Individualisierung des Textes durch das permanente leise Murmeln der Schauspieler*innen in je eigener Sprache und Tempo, ein Gesamtbild, eine gemeinsame Betrachtung des Bibelverses.

Eine gemeinsame Aktion der Darstellung betrifft zudem das Bühnenbild. Der Boden war mit dunklen Platten belegt, auf die die Schauspieler*innen mit Kreide mit Ländernamen beschriftete Kreise aneinanderfügten und so eine Art Weltkarte kreierten. Auf dieser Weltkarte bewegten sie sich von ihren Lieblingsplätzen zu Orten, an denen sie auf keinen Fall sein wollten und hinterfragten Grenzen. An dieser Stelle trat der Schauspieler Marlon Mohrmann hervor und hielt eine kurze Ansprache, weshalb Grenzen für ihn von Menschen geschaffene Konstrukte seien. Das Publikum applaudierte ihm für solch weltoffene und solidarische Gedanken.

Im Laufe des Stückes lernt man die Darsteller*innen mehr und mehr kennen. Man erfährt, wo sie herkommen, was in diesen Ländern los ist, was dort und in Deutschland ihrer Meinung gut und schelcht läuft. Die Schauspieler*innen befragen sich gegenseitig nach ihren Gedanken zur sogenannten “Flüchtlingskrise”, lernen sich untereinander und die unterschiedlichen Kulturen näher kennen und stellen sich die Frage, was sie aus ihrem Leben machen möchten. Alle haben ungefähre Ideen, was sie sich für die Zukunft vorstellen könnten und alle haben eines gemeinsam: sie wollen das Beste aus ihrem Leben machen, wollen lernen, Träume verwirklichen und Chancen ergreifen. Sie wollen sich selbst besser kennen lernen und andere Menschen, die ihnen noch fremd sind. Ein gefüchteter Schauspieler, der aus jugendschutztechnischen Gründen seinen richtigen Namen nicht nennen durfte, meint, das Problem in Deutschland sei, dass hier viel zu viele Menschen einfach aufeinander treffen. Ihm gefällt die Vielfalt, aber er sieht Schwierigkeiten darin, dass die Menschen sich nicht verständigen. Begegnungen sind wichtig und Kommunikation ebenso. Nur so kann dieser kuturelle Reichtum auch sinnvoll genutzt werden.

Individualisierung zu Vergemeinschaftung

Eine sehr kraftvolle Szene entsteht, als die Schauspieler*innen, nachdem sie gegenseitig ihre Wünsche und Hoffnungen präsentiert haben und sich in eine Reihe aufgestellt haben, sich an den Händen fassen und einfach eine Weile so dastehen. Auch hier findet wieder eine Überleitung von Individualisierung zu Vergemeinschaftung statt.

Nachdem die Schauspieler*innen die mit Kreide bemalten Bodenplatten zum Teil mit weißer Farbe übergossen haben, nehmen auch sie selbst jeweils etwas von der Farbe in die Hand und klatschen sie sich ins Gesicht. Sie stellen sich frontal zum Publikum und wiederholen den Text eines Schauspielers über Macht und Kontrolle im Chor, bis sie schließlich die Bodenplatten gemeinsam wegräumen und dabei, weiterhin als den Text einer Schauspielerin wiederholender Chor, eine Passage des Bibelverses über den Turmbau zu Babel immer wieder wiederholten.

Mensch sein auf dieser Erde

Durch kleinere Unsicherheiten der Schauspieler*innen auf der Bühne hinsichtlich mancher Abläufe und der mangelnden fließenden Übergänge zwischen Szenen wirkte das Stück leider zeitweise etwas ungeordnet. Dennoch ist das Projekt sowohl auf der Darstellungs- als auch auf der Meta-Ebene ein gelungener Diskursansatz, der zwar Potenzial nach oben hat, aber dennoch inhaltlich wichtige Punkte hervorhebt, die sich jeder Mensch, der in dieser Gesellschaft leben möchte, mal durch den Kopf gehen lassen sollte und sich fragen sollte, was es letztendlich heißt, Mensch zu sein auf dieser Erde.

Text: Jessica Müller

Foto: Birgit Hupfeld

Was passiert, wenn bestimmte Dinge, bestimmte Ansichten oder bestimmte Meinungen in einer Gesellschaft, einer Gemeinschaft oder einer Freundschaft nicht zu ertragen sind? Wenn Toleranz als einziges Hilfsmittel nicht mehr ausreicht?

Dieser Frage geht die Bielefelder Theatergruppe “Parallele Welten” in ihrem Stück “Ehrlos” auf den Grund und untersucht alle möglichen und unmöglichen Ebenen des Begriffs der Ehre.

Die Gruppe besteht, anders als die restlichen präsentierten Stücke beim Theatertreffen der Jugend diesen Jahres, nicht nur aus jüngeren Darsteller*innen, sondern setzt sich aus Menschen im Alter von 13 bis 74 Jahren zusammen. Hier treffen drei Berufstätige, eine Pensionärin, eine Studentin und fünf Schüler*innen mit bosnischen, russischen, türkischen, deutschen, polnischen und ungarischen Wurzeln aufeinander. Zusammen mit den beiden Theaterpädagog*innen Canip Gündogdu, Martina Breinlinger und dem Musiker Daniel Mandolini wurde das Stück nach und nach erarbeitet. Aus Improvisationen, persönlichen Geschichten, Interviews, Recherchearbeit und Workshops entstand so innerhalb eines Jahres die Produktion “Ehrlos”.

"sexistische Antworten und stets ein quäkendes Geräusch"

Der Beginn des Stücks ist unverfänglich; das Publikum betritt den Saal, die Darsteller*innen stehen bereits auf der Bühne und bewegen sich, bis einer von ihnen ans Mikrofon tritt und verkündet: “wir haben schon angefangen.” Es folgt ein kurzes Interview eines türkischstämmigen Schauspielers, was für ihn ein Mann sei, wobei auf sexistische Antworten stets ein quäkendes Geräusch vom Rest der Schauspieler folgt. Es geht also mitten rein ins Thema.

Kleinere Teilgeschichten ziehen sich neben solcher Interviews durchs Stück. Thematisiert wird die Geschichte eines Mannes, den die Pensionären als ihren Vater vorstellt, wie er einer Schwangeren zu helfen versucht und dabei am Ende scheitert und davonläuft. Ein türkischstämmiges Mädchen erzählt von ihrem Wunsch nach Freiheit und Rebellion und vom Zwang zum Gehorsam. Ein anderes Mädchen outet sich vor ihrer besten Freundin als lesbisch und ein junger türkischstämmiger Mann wächst in einem Zwiespalt zwischen Familientradition und eigenen Wünschen auf. Hierbei wird der Fokus stets auf die Geschichten gelegt und die ganze Gruppe, bis auf den/die Protagonist*in der jeweiligen Geschichte, dienen als Mittel zum Zweck der Darstellung. Mal als Familie, mal als innerer Monolog, mal als Geräuschkulisse. So gibt es zwar eine Rollenverteilung im Stück, bezogen auf die Protagonist*innen, jedoch werden diese je nach erzählter Geschichte immer wieder aufgelöst und verändert, was der Dynamik des Stückes sehr zugute kommt.

"Aus Angst vor Ehrverlust"

Während anfangs die Szenen oft lange aufgebaut werden und anschließend in Text- und Dialogform näher erläutert werden, verflüssigt sich der Ablauf im weiteren Verlauf immer mehr. Die Geschichten und Szenen bleiben jedoch überwiegend als einzelne, recht abgetrennte Elemente erkennbar.

Ehre ist ein Wort, das alles und nichts bedeuten kann. Während dem einen die Ehre “am Arsch vorbei” geht, ist dem anderen die Familienehre heilig. Eine russische Schauspielerin erklärt, dass es in ihrer Kultur ehrenvoll sei, andere Leute unter den Tisch trinken zu können. Ein anderer Schauspieler stellt die Frage, was “eine Frau abends, geschweige denn um Mitternacht, auf der Straße” zu suchen hätte. “Nichts,” folgt sogleich die Antwort. Wiederum erzählt eine andere Schauspielerin davon, wie sie von ihrer Familie geschlagen und beleidigt wird, nur weil ein Junge in ihrem Zimmer war und sich verabschiedet hat. Ohne Körperkontakt. Aus Angst vor Ehrverlust.

Das Thema “Outing” wird im Stück behandelt, als die betreffende Schauspielerin während einer Gemeindeszene in der Kirche nach ihrer Ausgrenzung aus der Gemeinde die Langhaarperücke abnimmt und ihr Oberteil auszieht. Darunter trägt sie ein hautfarbenes, bauchfreies Top mit der Aufschrift “GAY”. Das Publikum brach an dieser Stelle in Applaus aus.

Auch die Verwendung von Vorurteilen und emotional aufgeladenen Themen wie Religionskonflikten wirkt angebracht, denn jedes Mal werden die Darstellungen kritisch hinterfragt – oft auch auf humorvolle Art. So wird nach dem Quizduell von Bibel- und Koranzitaten gefragt: “Wo hast du eigentlich die ganzen Zitate her? Aus'm Internet, wa?” In Anbetracht der unzähligen Interpretationsweisen der heiligen Verse, nimmt diese sarkastische Frage dem ganzen Thema ein wenig von seiner Schwere.

"Wie finden Ehre und Toleranz da zusammen?"

In der Produktion wird erkennbar, wie viele Ebenen das Wort “Ehre” mit sich bringt. Aber egal ob in der Familie oder zwischen Freunden, im Job oder in der Liebe, in der Religion oder der Sexualität, in Fragen der Weiblich- oder Männlichkeit, eines bleibt gleich: Ehre ist immer subjektiv konstruiert. Es gibt nicht die eine Ehre, die jeder Mensch gleich empfindet. Und genau hier sind wir wieder beim anfänglichen Problem der Toleranz. Ehre kann ein unglaublich emotional aufgeladener Begriff sein, für den gekämpft, gestorben und sogar gemordet wird. Wie finden Ehre und Toleranz da zusammen?

Darauf gibt das Stück zwar keine Antwort, aber genau das ist es ja, was Kunst will: sie will Kunst sein und keine Einbahnstraße zur ultimativen Lösung aller Probleme. Sie will Diskurse öffnen, statt den Blick zu schließen. Leider werden aber im Stück so viele Themen und Ebenen angerissen, dass man gar nicht weiß, wo man anfangen soll und die eigene Überforderung mit der Komplexität des Themas kann schnell dazu führen, dass die Beschäftigung damit aufgegeben wird. Jedoch ist diese Vielfältigkeit an Blickwinkeln in Anbetracht der bunten Durchmischtheit der Truppe und der Entstehungsgeschichte des Stückes durchaus legitim. Überforderung stellt schließlich auch immer eine Herausforderung an sich selbst dar. Und nur daran wächst man.

Text: Jessica Müller

Fotos: www.theater-bielefeld.de

Vorweg: die Einführungsveranstaltung zum Theatertreffen der Jugend 2016 kann nicht unkommentiert bleiben. Woran das liegt? Es ist Tradition, dass die eingeladenen Produktionen sich gegenseitig in einem auf der Bühne inszenierten Trailer dem Publikum vorstellen, wobei es diesmal eine Auseinandersetzung gab. Grund dafür war der Trailer der Aachener Theatergruppe rohestheater, die die Produktion “One day I went to *idl” der akademie der autodidakten, bestehend aus 13 jungen Geflüchteten und postmigrantischen Jugendlichen des Ballhaus Naunynstraße präsentieren sollten.

"Es folgten Buhrufe"

Die Schauspieler*innen von rohestheater stellten sich in einem Halbkreis auf die Bühne und riefen im Chor: “One day I went to Lidl.” Als dann folgte: “Wer hat Angst vor'm schwarzen Mann? / Niemand. / Und wenn er kommt? / Dann schließen wir!”, zuckten die ersten Menschen im Publikum bereits zusammen. Der Höhepunkt an klischeehafter, rassistischer Darstellung wurde aber erreicht, als die Schauspieler*innen durchs Publikum liefen und Bananen verteilten. Es folgten Buhrufe und eine wütende Zuschauerin, die auf die Bühne stürmte, weil sie sich als Farbige von dieser Darstellung angegriffen fühlte. Zu Recht, denn was dort als Trailer gezeigt wurde, kann leider nur als rassistisch bezeichnet werden.

"immer noch und weiterhin ein rassistisches Statement."

Hier kann nicht auf “künstlerische Freiheit”, wie eine der Aachener Schauspieler*innen einwarf, oder Ironie zurückgegriffen werden, denn dafür fehlte eindeutig die reflektorische und kritische Ebene in der Darstellung. Eine Aufführung wird nicht weniger real, nur weil der Rahmen “Theater” darum gesetzt ist. Sie muss sich innerhalb der Darstellung immer selbst hinterfragen und kann nicht unkommentiert im Raum stehen bleiben. Denn dann ist es halt einfach immer noch und weiterhin ein rassistisches Statement.

Kurz bevor die für diesen Abend angesetzte Inszenierung losging, begab sich Christina Schultz, Leiterin des Theatertreffens der Jugend, samt der akademie der autodidakten auf die Bühne und verkündete, es könne in Anbetracht der Vorkomnisse des Abends nicht einfach mit dem Rahmenprogramm weitergemacht werden, sondern es müsse Raum zur Diskussion und zum Austausch geben. Wann und wo dieser Raum eingerichtet werden solle, wurde jedoch nicht verraten, denn nach der kleinen Ansprache verließen alle wieder die Bühne und es wurde eben doch das Rahmenprogramm weitergeführt. Nun gut, wir bleiben gespannt, welche Nachwirkungen der Vorfall noch mit sich bringt. Bis dahin werfen wir einen Blick auf die Inszenierung des Abends!

“Wunderland” nennt sich die 2015 erstmals aufgeführte Produktion des Theaterjugendclubs “Sorry, eh!” vom Schauspiel Leipzig. Es basiert auf einer Textcollage von Gesine Danckwart und bedient sich einiger Szenen ihres Stückes “Girlsnightout”.

"... unbändige Energie der Jugendlichen"

Die Inszenierung kann man nicht nur sehen und hören, sondern vor allem spürt man permanent diese unbändige Energie der Jugendlichen, die mal rennen und schreien, mal singen und flüstern, aber immer hundertprozentig präsent sind. Nach ruhigeren Momenten wird die Energie entweder durch Bewegung, Musik oder die Stimme immer wieder hochgerissen und das spürt das Publikum. Auch schauspielerisch haben die Darsteller*innen zum Teil eine beeindruckende Leistung abgeliefert!

Ein ständig wiederkehrendes, sehr kraftvolles Element ist der Chor, den die Schauspieler*innen bilden. Er lässt Textpassagen automatisch kraftvoller wirken und schreibt somit bestimmte Stichworte und Sätze viel stärker in die Köpfe des Publikums ein. Es ist immer was los auf der Bühne, aber nie so, dass man den Überblick verliert und alles in zusammenhanglosem Chaos versinkt. Auch die Übergänge sind größtenteils fließend gestaltet, sodass das Publikum von Szene zu Szene mitgezogen wird, ohne sich zwischendrin zu verlieren. Außerdem wird gesungen auf der Bühne, mal im Chor, mal als Solo, mal mit Gitarre, Bass oder Klavier untermalt, mal wird einfach Musik eingespielt, wie zum Beispiel “Can't stop” von den Red Hot Chili Peppers. Die Wirkungsweise variiert dabei von ironisierendem Element bis hin zu musikalischer Begleitung zu ernsteren Textpassagen.

"Hier wird der Leistungsdruck thematisiert, der einem scheinbar von der Gesellschaft auferlegt wird."

Worum aber geht es? Grob gesagt geht es ums Leben. Ein wenig präziser: Es geht um Einsamkeit und Liebe, Selbstakzeptanz und Selbsthass, Ausreden und Wahrheiten gegenüber sich selbst und anderen, Druck durch Eltern, Freunde, Artbeitgeber*innen, Social Media, Apps; immer und von allen Seiten. Das Gefühl, in einem Glaskasten zu stecken und ausbrechen zu wollen. Dies wird durch die wiederkehrende pantomimische Geste kenntlich gemacht, in der die Schauspieler*innen von Glasscheiben umgeben zu sein scheinen. “Ich muss diese glatten, weißen Wände hoch”, hört man eine Darstellerin sagen, während die pantomimischen Wände immer näher auf den Rest der Akteur*innen zukommen. In einer anderen Szene heißt es “Wenn du was aus dir gemacht - / hast du aber nicht!” Hier wird der Leistungsdruck thematisiert, der einem scheinbar von der Gesellschaft auferlegt wird. Verzweifelt wird auf das “ok” gewartet, das einen für die getane Arbeit entlohnt und während der Druck immer weiter wächst, wird gar nicht bemerkt, dass die zwei befreienden Buchstaben bereits auf den Bildschirmen mi Hintergrund der Bühne aufleuchten. Von wo kommt also dieser auferlegte Druck? Tatsächlich von der Gesellschaft? Von Freunden? Von Konkurrenten? Von einem selbst?

"zwischenzeitlich dreht sich alles um Sex, Alkohol und Zigaretten"

Immer wieder wird in der Inszenierung auch das Thema nicht nur des Körpers, sondern auch der inneren Selbstwahrnehmung aufgegriffen. In Verbindung mit Social Media untersuchen die Schauspieler*innen, ob und inwiefern Ehrlichkeit in der Präsentation unseres Selbstbildes nach außen und nach innen überhaupt noch eine Rolle spielt. “Allen geht es gut”, wird die Botschaft durch Fotos von einem breiten Grinsen in die Welt gepostet. Alle präsentieren scheinbar nur diese eine, um sich selbst herum konstruierte Seite in sozialen Plattformen. Aber wie viel Ehrlichkeit spielt auch im wahren Leben eine Rolle? Wie viel wollen wir tatsächlich von uns preisgeben? Mit dieser Frage beschäftigen sich die Darsteller*innen am Ende des Stücks und heraus kommen verschiedene Meinungen und Gedanken, die Raum für eigene Überlegungen und Anschlusskommunikation lassen.

In der Inszenierung werden übermäßig viele und übermäßig beleidigende Schimpfworte verwendet, zwischenzeitlich dreht sich alles um Sex, Alkohol und Zigaretten, dann wieder um Liebe, Selbstwahrnehmung und moralische Werte. Was ist richtig, was ist falsch und vor allem wer ist richtig und wer ist falsch? “Wunderland” ist ein Wirbelwind, der viele Fragen anreißt, einige mehr, einige weniger ausführlich untersucht, aber permanent hinterfragt. Alles und jeden. Und das ist gut so!

Text: Jessica Müller

Fotos: Rolf Arnold

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